Em dezembro de 1971, um homem na saída do Museu de Arte Moderna de Nova York fez uma pergunta aos visitantes que estavam saindo: "O que você achou da exposição de Yoko Ono?"
Alguns ficaram confusos ("Que exposição?"), outros irritados ("Não consegui encontrá-la!") ou encantados ("Bem, eu simplesmente achei incrível"). Para um homem que teve dificuldade em localizar a mostra, o entrevistador disse: "Está aqui, está principalmente na mente das pessoas." O homem assentiu. "Sim", ele disse, "eu pensei que poderia ser o caso."
Essas foram algumas das reações à "Museum of Modern (F)art" de Ono, uma estreia autoimposta no MoMA, encenada sem permissão do museu.
Ela publicou um catálogo, colocou anúncios no The Village Voice e inseriu um aviso na entrada do museu informando que centenas de moscas embebidas em perfume haviam sido liberadas no interior. Cabia aos visitantes encontrá-las, dizia o aviso, talvez seguindo os aromas errantes que passavam pelos Pollocks, Picassos ou Van Goghs.
Mais de 50 anos depois, a artista nascida em Tóquio, conhecida por seu casamento com John Lennon tanto quanto por sua arte vanguardista (e frequentemente muito engraçada), tem uma retrospectiva muito aguardada na Tate Modern em Londres, em cartaz até 1º de setembro.
A mostra "Yoko Ono: Music of the Mind", ou música da mente, tem mais de 200 obras abrangendo sete décadas de trabalho. Como "Museum of Modern (F)art", que faz parte da retrospectiva, a maioria dessas obras está na mente das pessoas.
A exposição nos leva através do trabalho e da vida de Ono cronologicamente. O primeiro espaço estabelece imediatamente a sensação de elegância simples que domina a obra da artista, que se desdobra em performance, instalação, filme, texto, som e escultura.
Como muitas das obras na mostra, "Lighting Piece" é apresentada em múltiplas iterações. É uma de suas primeiras "peças de instrução": um pequeno cartão datilografado, datado de "outono de 1955", e fixado na parede. Nele está escrito: "Acenda um fósforo e observe até que se apague."
Próximo dali, três fotografias mostram Ono fazendo exatamente isso, enquanto está sentada em um grande piano no palco, em 1962.
Projetada em outra parede está uma versão filmada de 1966 da mesma instrução. Vemos a chama tremeluzente, filmada com uma câmera de alta velocidade e depois reproduzida em velocidade padrão, diminuindo a uma taxa impossivelmente lenta. Ela existe através do tempo e do espaço e você também é convidado a observá-la morrer hoje, amanhã, quando quiser.
Nascida em 1933, Ono cresceu no Japão em tempos de guerra e pós-guerra. Pode ser fácil relacionar a austeridade de seu trabalho a uma infância marcada pela escassez, pela falta de moradia e pela destruição em massa.
"Essas experiências dos primeiros dias lançaram uma longa sombra em minha vida", disse a artista, lembrando como ela e seu irmão, deslocados e famintos no campo japonês, olhavam para o céu e imaginavam cardápios repletos de refeições deliciosas que não podiam comer.
Talvez essa fantasia epicurista tenha sido uma de suas primeiras peças de instrução, mas desde cedo, seu trabalho também foi moldado por uma formação educacional sofisticada: ela foi a primeira estudante de filosofia do sexo feminino na Universidade Gakushuin em Tóquio, e depois estudou poesia e composição musical na Sarah Lawrence depois de se mudar para Nova York em 1953.
Ono rapidamente se envolveu com os músicos experimentais e artistas performáticos mais admirados da cidade na época, incluindo John Cage, La Monte Young e George Maciunas —o pai do movimento Fluxus, que enfatizava como a arte poderia ser feita por qualquer pessoa e acontecer em qualquer lugar.
Na retrospectiva, a década após sua chegada a Nova York é amplamente representada por documentação de performances em espaços de loft e galerias, e mais tarde no palco, também em Tóquio, para onde ela retornou de 1962 a 1964.
Dois "Quadros de Instrução" são exemplos de obras interativas de 1961, em que o título nos diz o que fazer. "Pintura para Ser Pisada", por exemplo, é exatamente o que parece —um recorte geométrico de tela preso ao chão— e mostra a aceitação de Ono da ideia de que a arte é viva em vez de estática e depende da participação do público.
Isso é incentivado ao longo da exposição, que convida os visitantes a seguir várias instruções: desenhe sua sombra, aperte as mãos por meio de um buraco numa tela, imagine uma pintura em sua cabeça.
Trabalhos posteriores se situam de forma incômoda entre registros altos e baixos, instalação conceitual e intervenção na mídia mainstream. (Em 1982, ela colocou um anúncio no The New York Times pedindo por paz.)
A poesia evocativa tipo "koan" de suas partituras anteriores —"observe o sol até que ele se torne quadrado", "faça um anúncio móvel cada vez que você morrer"— torna-se declarações simplistas: "Pegue um pedaço do céu. Saiba que todos nós somos parte um do outro", "Imagine a Paz", "Paz é Poder".
No final da exposição, você é convidado a escrever um desejo em um cartão branco e fixá-lo em uma oliveira em vaso. Desejar é o suficiente? Podemos imaginar a paz?
No início, eu estava ceticamente inquieto com a falta de "arte" nas obras de texto posteriores. Mas as instruções de Ono não são tão diretas quanto parecem, e exigem alguma fé nas outras pessoas. O que eu achei da exposição de Yoko Ono? O que você achou?
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